Félicitations aux 30 gagnants de notre concours annuel d'art! Ici (et dans notre numéro de décembre 2011), nous célébrons les gagnants de la catégorie Nature morte / Floral. Par Louise B. Hafesh
Première place
Eileen Eder
Guilford, Connecticut • www.eileeneder.com
Eileen Eder a découvert une passion pour la peinture de natures mortes par accident, littéralement. De retour aux études supérieures à la fin de la quarantaine, elle a commencé à peindre des figures jusqu'à ce qu'un accident de ski la fasse atterrir temporairement dans un fauteuil roulant. «J'ai commencé à faire des natures mortes, ce qui a vraiment amélioré mes compétences en peinture, et j'ai développé un amour pour le genre», dit-elle.
Inspiré par la façon dont la lumière révèle les objets et la nature créés par l'homme avec une variété infinie de couleurs et de valeur, Eder commence souvent par une sous-peinture de valeur de terre de Sienne brûlée et d'outremer, applique trois ou quatre couches de couleur et se termine par les lumières les plus légères appliquées en couche épaisse.
Rappelant un effort d'un an sur une série de peintures qui combinent des objets intérieurs avec un paysage extérieur et jouent sur la tension entre les éléments artificiels et naturels - une série qui comprend son entrée gagnante - elle souligne: «En chemin, j'ai découvert ce qui fonctionne dans l'éclairage et a appris à réduire les éléments, en particulier dans le paysage, afin qu'ils ne rivalisent pas avec les éléments de la nature morte."
Une grande partie de cette série a été peinte sous lumière naturelle. Cependant, en s'attaquant à Beyond the Frame, Eder a expérimenté en éclairant sa configuration en tant que réalisatrice sur une scène. «Le passage à l'éclairage intérieur m'a permis de mettre l'accent sur le vase blanc et les poires», dit-elle. "Il a également formé des ombres dramatiques."
Soucieux de créer des compositions attrayantes et cohésives, Eder utilise une palette limitée de rouge de cadmium, de jaune de cadmium, de bleu outremer et de blanc. «Dans cette pièce en particulier», explique-t-elle, «le maintien de l'équilibre - le maintien d'un point focal affirmé et la suspension de certaines zones de soumission, en particulier le paysage - a été une lutte. En fin de compte, je pense que la peinture fonctionne parce qu'il y a des couches d'intérêt visuel et psychologique. Certaines parties s'éloignent et d'autres s'avancent - une sorte d'approche de Hans Hofmann à la peinture nature morte classique. »
La deuxième place
Elizabeth A. Patterson
Hollis Center, Maine • www.lizpatterson.blogspot.com
«Comme je préfère les situations d'éclairage éphémères, comme le soleil tôt le matin ou l'après-midi d'hiver, les photos de référence sont essentielles», explique Elizabeth Patterson. "Donc, une fois que je me suis installé sur une configuration, je prends de nombreuses photos, commence à dessiner d'après la vie, puis continue avec les photos."
Typiquement attirée par des formes organiques arrondies, comme illustré dans Mottled, Patterson explique: «Je voulais rassembler des objets qui montrent des variations de cette qualité aléatoire et mouchetée trouvée dans un vieux bol en grès émaillé.» Après avoir décidé de la vaisselle pots et éclaboussures de courge, le pichet en verre bouillonné a ajouté "juste la bonne touche de légèreté et de transparence pour compléter l'arrangement."
À l'aide de crayons de couleur pour créer les objets mouchetés, Patterson a dessiné les points de forme libre de différentes teintes et valeurs. «Ensemble, ils ont fait apparaître les objets comme par magie», déclare-t-elle. «C'était difficile, mais très amusant.»
En revanche, s'attaquer au tissu sous les objets était plus fastidieux. «Alors que je travaillais sur sa conception, ses ombres et ses plis, le tissu a commencé à prendre trop d'importance visuellement», explique l'artiste. «J'ai fait une pause, j'ai regardé la pièce pendant une journée et j'ai réalisé que je perdais ce qui m'avait initialement excité - la concentration de lumière au centre de la composition: la courge reflétant les couleurs à l'intérieur du bol, la zone intensément éclairée. sur le petit pot, et la touche de tissu qui était en plein soleil. En me concentrant sur ces points lumineux, j'ai appliqué plus de couches de crayon de couleur pour adoucir le motif du tissu, le plaçant ainsi correctement en arrière-plan. »
Troisième place
John (Solly) Sollinger
Ashland, Oregon • roguemosaics.com
«Je suis généticien de formation, mais artiste par nature», révèle le mosaïste autodidacte John Sollinger, dont Radiance a été inspiré par une touffe d'arnica poussant le long du Pacific Crest Trail dans le sud-ouest de l'Oregon. «Je traduis ma passion pour les motifs naturels par le« mosainting »(mosaïquage + peinture) avec des pièces en verre utilisant un vocabulaire visuel façonné par mon étude de la biologie, plutôt que par les techniques traditionnelles de la mosaïque.» Composer ses œuvres avec un jeu de lumière et d'ombre, il laisse place à «l'improvisation, l'incertitude et l'atmosphère».
À la recherche de motifs avec son appareil photo dans des paysages non cultivés, Sollinger choisit une image qui lui plaît «à la fois comme abstraction lorsqu'elle est vue sous forme de vignette et comme une compilation intéressante de motifs entrelacés en taille plein écran». Après avoir augmenté la saturation et le contraste de l'image. sur l'ordinateur, il le recadre et l'imprime à la taille souhaitée pour l'utiliser comme guide dans la disposition des morceaux de verre sélectionnés, qui sont d'abord posés à l'envers puis retournés sur un substrat recouvert d'adhésif.
«Après avoir suscité une première réponse émotionnelle aux motifs radiaux de cette scène», explique l'artiste, «j'espère rappeler aux téléspectateurs la nécessité de préserver les vestiges de notre patrimoine naturel.»
Louise B. Hafesh est une artiste et écrivaine primée et rédactrice en chef pour The Artist's Magazine. Vous pouvez voir des exemples de son travail sur www.artworks-site.com et www.paintersportal.blogspot.com.
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