Dans le numéro d'avril 2009 de The Artist's Magazine, Jane Jones discute des défis du mélange des couleurs dans une peinture.
Transition des couleurs en toute transparence
Gardez les dégradés lisses et simples: glacer une couleur à la fois
Par Jane Jones
La peinture d'objets qui ont plus d'une couleur peut être difficile, surtout lorsque vous dépeignez des dégradés pour montrer la dimension. La tâche devient encore plus difficile lorsque les objets, tels que les pétales ou les plis de draperie, sont éclatés avec des éclaboussures de lumière et d'ombre. Vous pouvez vous retrouver avec une zone où quatre couleurs ou plus se rejoignent, toutes devant être mélangées de manière transparente.
Les pétales de fleurs de Garden Party (ci-dessus) en sont de bons exemples. Leurs couleurs passent du blanc au rouge, et la plupart des pétales sont partiellement à la lumière et partiellement à l'ombre. En peignant ces pétales en cinq couches, je n'avais besoin de contrôler qu'une seule couleur de peinture humide à la fois. C'est beaucoup plus facile que de traiter cinq couleurs en même temps!
J'ai peint cette démonstration à l'huile. Le même principe de pose dans une seule couleur à la fois s'applique à l'aquarelle et à l'acrylique, bien que la manipulation de l'arrière-plan et la séquence des valeurs soient différentes.
Pour des instructions sur la peinture de la nappe, des tiges, des feuilles et du vase, voir Le reste de la peinture.
1. Établir le fond et sous-peindre les pétales
J'ai d'abord peint l'arrière-plan avec des mélanges de gris Payne, cramoisi alizarine et blanc de titane. L'alizarine cramoisi est une couleur unificatrice de cette peinture, utilisée dans presque tous les mélanges de couleurs.
Une fois le fond sec, j'ai transféré le contour de mon sujet. Ensuite, je viens de remplir les zones de pétales avec une couche très lisse de blanc de titane. Cette fondation opaque a éliminé l'influence du fond sombre, me permettant de garder les couleurs suivantes lumineuses et claires. Lorsque vous superposez des transitions de couleurs, n'oubliez pas que vous devez commencer par la couleur la plus claire. Si j'avais peint des pétales passant du jaune à l'orange au rouge, j'aurais commencé avec du jaune plutôt que du blanc.
Pour les pétales de fleurs, j'ai mélangé de l'alizarine cramoisi avec du viridian pour créer un gris-violet terne. J'ai ensuite créé différentes valeurs de cette couleur en ajoutant du blanc de titane. Pour les zones les plus claires, j'ai réchauffé le blanc en ajoutant un peu de lumière jaune de Naples au blanc de titane.
2. Commencez par une transition douce
Lorsque les pétales blancs ont séché, je les ai légèrement glacés avec de la garance de rose authentique et un peu de Winsor & Newton Liquin. La rose garance authentique est une couleur délicate et facile à contrôler - un bon choix pour commencer les dégradés du blanc au rouge. Notez que j'ai peint l'intégralité des zones rouges, pas seulement les parties les plus claires. Ceci pour deux raisons: premièrement, l'intensité et la profondeur de couleur nécessaires pour compléter les zones les plus vibrantes de ces pétales nécessitent plusieurs couches de peinture. Rose garance authentique n'est qu'un point de départ. Deuxièmement, l'utilisation de la même couleur dans cette couche définit l'unité de couleur de la peinture.
Lorsque la rose garance véritable séchée, j'ai ajouté un murmure de jaune aux zones chaudes des pétales. Le jaune indien est une teinte intense, mais lorsqu'il est utilisé très légèrement avec beaucoup de médium à peindre - comme le Liquin, ou de l'eau si vous peignez à l'aquarelle - il devient un jaune doré doux. J'ai utilisé une seule couche de la même couleur jaune partout. Notez que les zones de lumière et d'ombre des pétales blancs modulent la légèreté et l'obscurité de la glaçure jaune.
3. Renforcez le rouge
Avec la transition la plus douce du rouge au rose établie, j'ai commencé à intensifier les parties rouges des pétales avec du rouge de quinacridone. Cette couleur transparente permet aux ombres établies dans la première couche de transparaître tout en apparaissant comme un beau rouge clair dans les zones où la lumière frappe. En augmentant progressivement le rapport peinture / Liquin, j'ai fait passer doucement le rouge de très clair dans les zones roses à plus sombre et plus intense dans les zones plus rouges.
J'ai également ajouté une autre couche légère et transparente de jaune indien à certaines des zones jaunes. En ne peignant pas sur toutes ces zones, j'ai permis une variété de teintes.
Pour le centre de la rose moyenne, j'ai commencé avec du jaune cadmium pâle mélangé avec une partie du violet grisé de la couche blanche. Ensuite, j'ai ajouté une touche d'alizarine cramoisie au mélange pour l'empêcher d'apparaître verte.
4. Intensifier davantage le rouge
Pour les zones les plus rouges, j'ai ajouté une autre couche de quinacridone rouge. Je voulais garder les dégradés du clair au foncé, donc avec chaque couche supplémentaire de peinture, je couvrais de moins en moins d'espace. Remarquez comment les zones grises établies dans le premier calque fonctionnent comme des ombres pour les zones blanches et rouges.
5. Ajoutez les derniers détails
J'ai réchauffé certaines des zones rouges avec un léger glaçage de jaune indien. Ensuite, j'ai obscurci délicatement quelques-unes des ombres sur les pétales avec un glaçage du mélange transparent alizarine-cramoisi-plus-viridian des couleurs originales des pétales blancs. J'ai peint les centres de fleurs avec des mélanges jaune terne des couleurs utilisées pour le centre de fleurs à l'étape trois.
En comparant les photos de démonstration 1 et 5, vous pouvez voir que la première couche de peinture sur les pétales de fleurs a établi le motif d'ombre et de lumière pour les couleurs suivantes. Étant donné que toutes les couleurs - blanc, rouge et jaune - ont la même sous-couche ou le même fond de teint, il y a une unité parmi elles qui aurait été beaucoup plus difficile à réaliser si j'avais utilisé des blancs clairs et foncés, des rouges et des jaunes tous en même temps. La méthode que j'ai démontrée est non seulement techniquement plus facile, mais permet également une peinture plus cohérente et unifiée.
Le reste du tableau
Nappe: Les rayures ont des bords durs, et le seul mélange est à l'intérieur de chaque bande, j'ai donc peint une à la fois, de gauche à droite, pour éviter de les maculer. (Si j'étais gaucher, je les aurais peintes de droite à gauche.) J'ai commencé à peindre chaque bande sur le bord avant de la table avec la valeur la plus claire, en ajoutant des valeurs plus sombres pour les ombres lorsque je les ai atteintes. Pour garder les couleurs pures, j'ai utilisé un ensemble de pinceaux pour les rayures blanches et un autre pour le rouge. J'ai même utilisé des serviettes en papier séparées pour essuyer les différents jeux de brosses. Pour m'assurer que je ne ramasserais pas accidentellement un pinceau pour la mauvaise couleur, j'ai placé un ensemble de pinceaux à ma droite et un à ma gauche.
J'ai peint les zones les plus claires des rayures blanches avec un mélange de blanc de titane et juste assez de lumière jaune de Naples pour chauffer légèrement le blanc. Pour les ombres tombant sur les rayures blanches, j'ai utilisé des mélanges de fond (voir étape 1 de la démonstration) éclaircis de blanc. Pour créer l'illusion que les rayures sur le dessus de la table s'éloignent en arrière-plan, j'ai utilisé un peu de cette couleur d'ombre mélangée au mélange de rayures blanches.
Les zones claires des bandes rouges sont rouge cadmium. Pour les ombres tombant sur les rayures rouges, j'ai ajouté le gris et l'alizarine cramoisi de Payne.
Feuilles et tiges: J'ai peint les feuilles et les tiges avec des mélanges de jaune cadmium pâle, de bleu outremer français et de gris Payne, en ajoutant du blanc pour les zones les plus claires.
Vase: Pour peindre le vase en verre, j'ai utilisé la couleur de fond (voir la première étape de la démonstration) avec du blanc ajouté. Pour les reflets des rayures, j'ai utilisé les couleurs des rayures de la nappe.
JANE JONES, auteur de Classic Still Life Painting (Watson-Guptill, 2004), est un professeur d'atelier populaire. Pour plus d'informations, rendez-vous sur www.janejonesartist.com.
Cet article est paru dans le numéro d'avril 2009 de The Artist's Magazine, qui peut être commandé en téléchargement numérique. Cliquez ici pour en savoir plus.
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