Nature morte aux neuf poires (aquarelle, 27 × 38)
Gnott divise son travail en trois domaines: les natures mortes formelles avec beaucoup de dentelles et de vases; des natures mortes de cuisine qui incluent des antiquités, des bocaux et des balances; et les natures mortes florales, en particulier les pivoines. Elle trouve son sujet dans les ventes immobilières, les magasins d'antiquités et son jardin botanique préféré, prenant des photos de fruits et de fleurs et ramassant des articles qui donneront des détails complexes à ses peintures. «Mes sujets préférés sont probablement les vieux pots en émail, la dentelle et les poires», dit-elle. «Je trouve que plus vous pouvez obtenir de détails sur un sujet, plus vos peintures sont réalistes. Lorsque je peins des émaux, plus les pièces sont entaillées et rayées, plus mes peintures deviennent réalistes. La dentelle est très complexe et j'adore les poires parce que chacune a sa personnalité. »
Parce que ses peintures prennent tellement de temps à terminer, Gnott ne peint que dans son atelier, où elle peut contrôler l'éclairage et laisser les natures mortes en place. En ce qui concerne son processus, dit-elle, il n'y a pas de flexibilité - tout doit être très bien planifié dès le départ. «Les gens pensent que vous créez cela de votre tête, mais vous ne pouvez pas simplement être libre avec ce type de peinture», explique Gnott. "Vous devez effectuer certaines étapes d'une certaine manière."
Pour elle, cela signifie commencer par un dessin très serré sur Arches 140 livres. papier aquarelle pressé à froid, étiré sur contreplaqué scellé ½ pouce ou Gatorboard. Pour autant de couches qu'elle met, dit Gnott, le 140 lb. le papier sèche au tambour et peut être peint plusieurs fois. Ensuite, elle fait un dessin très détaillé, le transfère sur du papier aquarelle à l'aide de papier graphite et masque les objets de premier plan avec le fluide de masquage Winsor & Newton. Ensuite, il est temps d'aborder l'arrière-plan.
Gnott aime le drame, donc ses peintures ont toujours des objets légers qui semblent surgir de ses arrière-plans sombres. Pour obtenir ce genre d'impact, elle travaille de la couleur la plus claire à la plus foncée. Elle commence par peindre l'arrière-plan et le tissu, créant des couches jusqu'à obtenir une couleur riche. Ensuite, elle enlève le fluide de masquage des objets de premier plan et les peint, en commençant par des émaux légers et en accumulant des couleurs plus riches, permettant à la peinture de sécher entre chaque application. Cette technique de vitrage lui permet de créer un effet tridimensionnel réaliste. Elle commence chaque peinture avec de gros pinceaux et des traits lâches, puis travaille avec des pinceaux plus petits à mesure que sa pièce se resserre, en utilisant des pinceaux n ° 00 pour les détails les plus fins. Lorsque la peinture est presque terminée, elle ajoute les reflets. «Cette petite touche de blanc fait vraiment briller le verre», explique Gnott.
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1. Préparer la pièce
Je fais très attention à ne pas endommager la surface de mon papier aquarelle, donc tous mes dessins sont complétés sur une feuille de papier séparée. À l'aide de papier graphite, j'ai transféré mon dessin sur 140 lb étiré. Arches papier aquarelle pressé à froid puis vaporisé de fixateur, de sorte que lorsque je retire le liquide de masquage plus tard, il ne soulève pas mon dessin avec.
2. Se vitrer
À ce stade, j'ai appliqué du liquide de masquage Winsor & Newton sur tous les objets et les éléments du motif sur le papier peint. Après que le liquide de masquage ait séché, j'ai commencé à mettre de la couleur. J'ai décidé de ma palette de couleurs avant de commencer à mélanger les couleurs et j'ai appliqué des échantillons à un carré de papier aquarelle au cas où j'aurais besoin de mélanger plus tard. Puis j'ai commencé à m'étendre dans mon arrière-plan avec des brosses à merlu. Cela peut prendre entre 6 et 10 glaçures minces de couleur pour obtenir le look que je veux. J'ai séché chaque application de couleur avec un sèche-cheveux avant d'appliquer la couche suivante. Puisque le papier est étiré, il se resserre à nouveau lorsqu'il sèche. Si j'ai du mal avec la coloration après plusieurs couches, je laisserai la pièce sécher pendant la nuit. Le matin, je peux poser avec succès la dernière glaçure.
3. Ombres de couleur
Ensuite, j'ai créé des lavages sur le dessus de table. Après avoir posé la première série de glacis, la surface acceptait plus les manipulations subtiles, alors j'ai travaillé mouillé sur mouillé pour définir les zones les plus sombres. Certaines ombres projetées reflétaient la couleur de l'objet le plus proche, donc dans ces cas, j'ai ajouté une quantité subtile de cette couleur à la zone d'ombre. Une fois toutes les ombres et les ombres projetées en place, j'ai terminé le dessus de table en ajoutant du grain de bois. Cela a été fait sur du papier sec, avec plus de pigment que d'eau dans la brosse.
4. Nettoyage et séchage
Ma technique générale consiste à tout construire lentement avec de minces émaux de couleur. Je passe beaucoup de temps à sécher mon travail; chaque couche doit sécher complètement pour que la surface soit à nouveau tendue avant d'appliquer plus de couleur. Après que tout soit complètement sec, j'enlève le liquide de masquage. Parce que je pose le fluide sur une épaisseur assez épaisse, il y a un peu de nettoyage à faire. Cela prend beaucoup de temps, mais c'est la seule façon d'appliquer uniformément les lavis de fond sans peindre autour de tous les objets.
5. Rester cohérent
Je voulais faire toutes les poires en même temps pour obtenir un aspect équilibré dans ma peinture. J'ai d'abord posé les glaçures de couleur initiales - environ trois ou quatre couches - puis j'ai commencé à appliquer tous les petits mouchetures et les rayures occasionnelles qui font d'une poire une poire. Plus vous pouvez appliquer de détails comme celui-ci à votre peinture, plus vous réaliserez.
6. L'art des petits détails
L'une des principales questions que je pose aux gens qui regardent mes peintures est «Comment donnez-vous au verre une apparence de verre?» Le petit truc que j'utilise est d'ajouter le blanc infaillible du Dr Ph. Martin à l'aquarelle finie. Je l'applique avec une petite brosse ronde et un coton-tige. Comparez les pots à billes de la dernière étape aux pots à billes de cette étape. Vous voyez à quel point ils sont plats et sans intérêt avant que le blanc ne continue? J'ai commencé le sachet de sucre en ajoutant des ombres pour créer tous les plis et rides. Ensuite, j'ai appliqué les tons jaunes, en les gardant très légers sur le devant du sac et plus intenses au fur et à mesure que la couleur suivait sur les côtés. Pour assurer la continuité de ma peinture, j'ai utilisé une licence artistique pour changer le lettrage bleu foncé du sac à sucre Domino en noir.
7. Making it Pop
Le pot en émail était probablement l'objet le plus difficile à peindre pour moi dans cette nature morte. Il y avait une grande étendue de papier blanc où les rondelles devaient être appliquées très uniformément pour se tenir seules. De plus, il y a des ombres très douces sur le couvercle qui aident à lui donner l'apparence d'une surface brillante. Cela peut être délicat. (C'est peut-être la raison pour laquelle j'ai attendu pour le faire en dernier.) J'ai appliqué les ombres, les ai séchées puis j'ai appliqué un lavage à l'eau ordinaire pour les adoucir. Ensuite, j'ai appliqué la garniture rouge et l'éclat de blanc sur les bords du couvercle et sur les poignées. C'est à ce moment-là que tout est vraiment sorti de la page. Le résultat est Still Life with Nine Pears (aquarelle, 27 × 38).
Jacqueline Gnott vit à South Bend, Indiana, avec ses deux bergers allemands, Thorn et Brier. Elle a obtenu un baccalauréat en beaux-arts de l'Université d'Indiana et son travail a été présenté dans de nombreuses expositions individuelles et collectives aux États-Unis. Pour voir plus de son travail ou en savoir plus sur ses ateliers, visitez le site Web de Gnott à www.jacquelinegnott.com.
Découvrez une autre grande ressource sur le réalisme de l'aquarelle, ici.
Lisez le reste de «Sa meilleure peinture à ce jour» dans le numéro de mai 2006 de The Artist's Magazine.
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