Pastel: Le Moi Dans Les Autoportraits Contemporains

Plusieurs artistes contemporains établis ont abordé le sujet de l'autoportrait de différentes manières, décrivant qui ils sont ou qui ils souhaitent être à différents moments de leur vie.

par Ephraim Rubenstein

Autoportrait, impression Matisse

par Mary Beth McKenzie, 1991, huile, 32 x 26.

Collection Le Metropolitan Museum

of Art, New York, New York.

Mary Beth McKenzie se tient face au miroir, ouverte et simplement, avec un mélange fascinant de questions et de déclarations sur elle-même. Elle projette un sentiment de familiarité qui souffre depuis longtemps, mélangé avec suffisamment de doute pour que quelques questions sur elle-même s'imposent. Elle emploie un trope d'autoportrait familier, se situant devant une reproduction d'une œuvre qu'elle admire. Dans ce cas, c'est The Matisse's The Studio, Quai St. Michel, Paris. Le tableau de Matisse est une sorte d'autoportrait moins le soi, l'artiste s'étant levé et quittant momentanément l'atelier. Mais le modèle n'a pas bougé. Elle tient toujours la pose, et la chaise et le dessin de Matisse, comme un chien fidèle, attendent son retour imminent - mais pas avant que McKenzie ne se soit glissé et se soit insinué à la place de Matisse dans cette image de l'artiste au travail dans son atelier.

Cependant, McKenzie a fait plus que devenir une partie de la peinture de Matisse. La peinture du maître français fait désormais partie d'elle. L'image lyrique de Matisse a été intériorisée, digérée et réorganisée par McKenzie, mais cette fois selon ses propres termes. Comme des bulles de pensée dans un roman graphique, les éléments du monde de Matisse semblent sortir de la tête de McKenzie. La diagonale du rebord de la fenêtre jaillit de son front, tandis que le modèle nu déborde pratiquement de son oreille. De plus, avec une formidable intelligence picturale, McKenzie a associé tous les tons de sa peinture à ceux de Matisse. La grisaille générale - qui rappelle si bien l'hiver à Paris - est rythmée par les ocres du côté de l'ombre de son visage, que McKenzie a prises de la draperie et des chaises, tandis que le rouge rosé sous son œil est également emprunté au tissu sous le modèle.

McKenzie - comme Rembrandt et Käthe Kollwitz avant elle, et comme Harvey Dinnerstein et Sigmund Abeles aujourd'hui - s'est toujours peinte tout au long de sa carrière. Cet ensemble d'œuvres constitue une chronique émouvante de son développement artistique et personnel, retraçant ses transformations personnelles et archivant le cours de sa vie depuis ses débuts d'artiste jusqu'à nos jours.

Autoportrait

par Ephraim Rubenstein, 1970, huile sur lin, 24 x 20.

Collection Amelia et

Madeleine Rubenstein.

Ce retour continu à l'autoportrait représente cependant un engagement inhabituel dans cette entreprise. Les autoportraits de la plupart des artistes semblent se rassembler autour de leur jeunesse ou de leur vieillesse, ou selon les mots de Shakespeare, de leurs entrées et de leurs sorties. Le plus souvent, les artistes qui s'intéressent à l'autoportrait auront une explosion d'activité lorsqu'ils sont jeunes. Cela représente souvent une tentative naissante de découvrir qui ils sont - ou, plus important encore, qui ils souhaitent être. Pour les entrées, aucune n'était plus romantique que les images de Courbet ou Fantin-Latour qui respirent le désir d'être les héros ravis de leurs rêves. Je me souviens très bien que lorsque je peignais mon autoportrait, je venais de voir une exposition de Goya, et je me souviens avoir pensé qu'être un jeune noble espagnol me convenait beaucoup mieux que d'être un gamin de Brooklyn qui joue au handball. David Kassan, alternativement, prend un personnage étrangement sans ego dans son premier autoportrait. Les yeux détournés, avec des sacs sombres en dessous donnant une sensation de détresse fatiguée, il évite délibérément de se projeter activement vers le spectateur. En fait, il semble qu'il pourrait se retirer complètement du tableau, il le ferait probablement. Mais quelle que soit leur interprétation, les jeunes sont connus pour le temps qu'ils passent devant des miroirs. Ainsi, l'autoportrait, pour de nombreux artistes, est une façon de prendre des identités, d'essayer des rôles à jouer, chaque homme de son temps jouant plusieurs rôles.

Certains artistes exploreront l'autre fin de vie, cependant, en examinant ce qu'ils sont devenus, un récit quelque peu stupéfait de ce que la vie a jeté sur leur chemin. Sigmund Abeles nous confronte de manière obsédante dans son Portrait d'un parasomniaque, pris au piège dans les fils et les filets de prison du monde médical moderne. Abeles doit sûrement se demander s'il peut être le même homme qui nous a regardés avec tant de puissance et de puissance que dans son autoportrait Measuring-Up [non illustré]. Burton Silverman a également survécu à un cauchemar médical - dans son cas, une crise cardiaque - et il se présente comme tel dans son autoportrait, Survivor. Mais contrairement à Abeles, Silverman est bien de l'autre côté de la catastrophe. Avec des pinceaux et un appareil photo à la main, Silverman est maintenant de retour au travail, mais a changé pour toujours. Sa chemise est terriblement enlevée, un rappel que les chirurgiens ont dû lui couper la poitrine nue pour le garder en vie, et que le torse nu ne peut jamais avoir la même signification pour lui.

Portrait d'un parasomniaque

par Sigmund Abeles, 2007, pastel sur papier, 31 x 41.

Collection de l'artiste.

Pour Silverman, l'épisode médical n'est que le contexte; ce qui est vraiment important, c'est qu'il soit de retour au travail. Et être au travail est l'une des manières les plus importantes dont les artistes se voient. Pour la plupart des artistes, notre travail est au cœur de ce que nous ressentons. Comme l'a dit un instructeur de l'Art Students League de New York: «J'ai deux types de pantalons: le type qui a de la peinture sur eux et le type qui va les peindre.» Nous vivons pour travailler et voir nous au travail est la façon dont nous nous envisageons le plus clairement. Quoi de plus révélateur, en enquêtant sur qui nous sommes, que de nous représenter au chevalet?

À l'hiver 2006, Ellen Eagle est au travail, la craie rouge à la main, prise dans cette fraction de seconde entre la recherche et l'enregistrement. Elle dépeint le moment de la réponse graphique - un moment crucial pour le peintre. Eagle a capturé l'instant entre le moment où nous voyons ce que nous recherchons et le moment où nous prenons la décision de l'enregistrer. C'est ce moment où nous gardons une observation dans notre esprit juste assez longtemps pour que nous puissions transformer notre impression de lumière en un passage de craie colorée.

Avec sa robe blanche grecque, si simple dans ses plis qu'elle ressemble à une robe ancienne, et ses cheveux noirs remplis de boucles et de boucles riches virevoltant le long de son visage, Eagle se révèle être une déesse sur le point de frapper. Elle est Diana à la chasse, sa main droite tenant ses flèches colorées. Elle est en train de capturer sa proie, mais cette fois, c'est vous, la gardienne.

Autoportrait - Fin de journée

de Joe Peller, 2003, huile sur toile de lin, 72 x 44. Collection privée.

Joseph Peller est également au travail, mais il n'est pas tant sur le point de faire grève que d'enquêter sur ce qu'il a fait. Autoportrait - Day's End est un titre révélateur. Il regarde avec un examen minutieux mais aussi avec un plaisir évident ce qu'il a accompli. Le bandeau de l'athlète / guerrier parle du travail, de la sueur et du travail, des nombreuses heures passées sur ses pieds. Et tandis que Eagle utilise des flèches, Peller brandit des épées. Mais Peller's est une bataille hautement civilisée. Il s'est planté solidement au milieu de son atelier, un espace rempli d'une magnifique lumière du nord et d'autres peintures et sculptures, récompenses d'autres journées de travail fructueuses.

Avoir des peintures d'autres artistes autour de nous est une façon de nous référer à notre lignée artistique. En incluant dans l'arrière-plan de nos peintures le travail d'artistes que nous admirons, nous exprimons non seulement notre gratitude envers ces maîtres mais nous revendiquons également nos propres aspirations et ambitions. Anthony Panzera renforce cette notion de référence historique de l'art en s'insérant directement dans une idée picturale antérieure. Dans son autoportrait en méduse, Panzera rend hommage au Caravage en substituant son propre visage à cette plus célèbre des soeurs Gorgones.

Si Eagle est une déesse sur le point de frapper, alors Panzera est celle qui a été sauvagement frappée. Pour le «crime» d'avoir été violée dans son temple sacré, Athéna a rendu la belle Méduse hideuse. Là où des boucles sombres et luxuriantes encadraient autrefois son visage, Athéna fit germer des serpents venimeux se tordant. Elle a rendu ses traits horribles, à moitié fondants, douloureux, à tel point que personne ne pouvait regarder Méduse sans se transformer en pierre. Ce n'est que lorsque Persée a coupé la tête de Méduse et l'a présentée à Athéna que la colère de la déesse a été apaisée. C'est le moment où Panzera a insinué son propre visage tragique. La tête pendue à l'étreinte puissante de Persée, la chair se détache de son crâne tandis que les serpents horribles mais élégants continuent de se tortiller pour accomplir leur destin cruel.

Le Gorgon de Panzera est une manière extrêmement dramatique de se référer à sa propre lignée artistique. Dans son autoportrait de 1994, Costa Vavagiakis fait une référence tout aussi personnelle à ses racines esthétiques et culturelles, mais de manière plus subtile. L'intérêt de Vavagiakis pour le portrait l'a conduit très tôt aux portraits de momies Faiyum - l'art funéraire des immigrants grecs vivant à Rome au premier siècle. Il a immédiatement senti, comme la plupart des téléspectateurs, leurs étranges qualités paradoxales: la combinaison de la sophistication avec une maladresse naïve, une intensité formelle avec une désinvolture sans prétention, et une qualité réaliste étrange associée à une stylisation prononcée. Ces visages anciens vous arrêtent dans votre chemin parce que vous avez vu quelqu'un qui ressemblait exactement à ça, même s'il est mort depuis 2000 ans.

Ces qualités paradoxales plaisaient énormément à Vavagiakis, et dans une tentative d'unir sa propre histoire personnelle avec la plus grande histoire de l'art, il s'est fait le sujet de son propre portrait de maman. Même si le portrait de Vavagiakis est peint à l'huile, il a fait que l'accumulation de ses coups de pinceau ressemble à l'encaustique Faiyum. Avec son visage poussé en avant jusqu'au plan de l'image et ses traits accentués de la même manière dans une supplication au spectateur de s'arrêter un instant et de converser, ce qui pourrait être une méditation plus poignante sur la mort et la vie éternelle que celle que l'art nous accorde ?

Réflexions nocturnes

par Harvey Dinnerstein, 2008, huile, 24 x 42. Courtesy Frey Norris Gallery, San Francisco, Californie.

La contemplation de la mort devient de plus en plus pressante à mesure que nous vieillissons, que nous nous préparons pour nos propres sorties. Les réflexions nocturnes d'Harvey Dinnerstein contiennent à la fois des réflexions littérales - sa propre image d'ombre compressée dans l'une de ces colonnes cylindriques métalliques que l'on voit sur la ville dans les stations de métro et les halls de bureaux - et aussi une réflexion sur la brièveté de la vie, telle que vue par l'un des voyageurs les plus sensibles. Et un voyageur qu'il est en effet - à l'extérieur, en route dans l'une des nombreuses gares de la ville anonyme, avec des marquages jaunes pour indiquer son mouvement. La peinture est une méditation sur The Journey, sur l'homme qui est sur le point de devenir ce reflet dans la colonne, ce flash de lumière qui est si comprimé qu'il a l'impression d'être sur le point de sortir de la peinture et de se glisser dans l'obscurité.

Dinnerstein s'est arrêté quelque part dans son voyage pour nous regarder. Ses yeux sont stupéfiants - rouges, gonflés, roses dans les orbites, avec des poches pleines en dessous entourées de plis épais. Ses yeux sont des yeux qui ont beaucoup vu. Sa présence même semble poser une question. Que va-t-il dire, ce mystérieux voyageur nocturne, dans son manteau, sur la route?

L'artiste et écrivain Ephraim Rubenstein est instructeur à l'Art Students League de New York et à la National Academy of Design School, tous deux à New York.