Le dessin est essentiel au processus créatif de Gary Akers, l'aidant à connaître le sujet, à décider de la structure et de la composition de la valeur et à définir le point focal.
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par Lynne Moss Perricelli
Le seau blanc 2007, aquarelle, 12¼ x 18¼. Courtesy Hammer Galleries, New York, New York. |
Gary Akers commence chaque aquarelle avec un dessin, ce qui est une pratique courante parmi les praticiens du médium. Ce qui distingue Akers, c'est son implication dans cette étape, car il réalise parfois près d'une douzaine de croquis pour un grand tableau. D'autres travaux ne nécessitent pas autant de planification, mais presque tous commencent par une étude au graphite et à l'aquarelle comme une sorte d'essai pour la dernière pièce. "Il n'y a aucun vrai raisonnement à tout cela", dit l'artiste. «Je fais juste ce qu'il faut pour comprendre comment composer le tableau final.» Il pense cependant que le dessin est fondamental dans son processus. «Il faut savoir dessiner pour peindre, et j'adore dessiner. C'est ce que je fais dans ma peinture."
Par cela, l'artiste veut dire que le dessin est critique non seulement au début d'une peinture mais aussi à la fin, lorsqu'il incorpore souvent la brosse sèche pour définir le point focal ou aiguiser des détails importants. Drybrush est une technique par laquelle l'artiste utilise une brosse chargée avec des poils généralement secs et évasés pour appliquer des détails fins sur de petites zones. L'intérêt d'Akers pour la technique découle de son travail avec la tempera aux œufs, dans laquelle il utilise un pinceau avec une pointe d'aiguille pour développer une peinture avec des lignes hachurées. «La qualité linéaire de la détrempe aux oeufs, c'est comme dessiner avec du graphite», décrit-il. «L'utilisation de la brosse sèche dans les aquarelles est une extension du dessin de la même manière, mais je n'entre pas dans les détails.»
Panier de baies 2005, aquarelle, 13¾ x 9¼. Collection privée. |
Akers vit au centre du Maine cinq mois par an, et dans le Kentucky rural pour le reste, lui fournissant de nombreux sujets divers. La plupart de ses sujets, il les trouve «par accident», dit-il. «Ils viennent à moi de façon inattendue. Je vois la façon dont la lumière frappe un objet et j'aime le sens de la profondeur ou de la texture qui se crée. »De cette façon, il cherche ce qu'il décrit comme un« moment décisif »dans le jeu de la lumière à travers les formes et les enregistrements. des idées dans des croquis et des photographies, ainsi que dans sa mémoire. Cependant, le lien émotionnel que l'artiste ressent avec le sujet est tout aussi important. Cellar Light, par exemple, l'artiste est descendu un escalier dans une ancienne cave et a trouvé plusieurs paniers de pommes, de pommes de terre et de navets baignés dans la douce lueur de la lumière au-dessus. «La petite pièce n'avait pas de fenêtres», se souvient l'artiste. «La seule lumière provenait de la porte ouverte du sol. Lorsque le soleil frappait le mur de plâtre blanchi à la chaux, la pièce s'éclairait comme si une ampoule avait été allumée. Je ne pouvais pas y croire. Chaque après-midi pendant une courte période, ce beau triangle de lumière brillante apparaissait. C'était comme par magie, et l'endroit m'a vraiment fasciné. Cela m'a rappelé la ferme de mes grands-parents et m'a rappelé des souvenirs de mon enfance. »
Akers commence chaque nouvelle peinture dans l'atelier, où il réalise d'abord plusieurs croquis en graphite pour finaliser la structure et la composition de la valeur. Il fait ensuite un dessin à grande échelle en graphite - ce qui peut prendre jusqu'à 10 heures - sur la surface finale, qui est généralement du carton Bristol Strathmore 500. La surface lisse et dure n'absorbe pas le pigment et l'eau, mais permet plutôt aux lavages de flotter sur le dessus, créant des couleurs plus riches et plus profondes. «Ce que vous mettez au tableau au début, c'est la même intensité à la fin», décrit l'artiste. "Avec du papier pressé à froid, vous réduisez les lavages et vous perdez une valeur ou deux à mesure que la peinture disparaît dans le papier." Un autre avantage de la planche est que la surface lisse est similaire à la planche gessoed qu'il est habitué à utiliser pour l'oeuf détrempe.
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Réflexions dans Étude rouge 2006, aquarelle, 10¼ x 15¼. Collection privée. |
L'artiste utilise des matériaux de base, ne montrant aucune préférence pour les peintures et les pinceaux. Sa palette, arrangée du frais au chaud sur une palette John Pike qu'il a achetée au collège dans les années 1970, se compose de bleu céruléen, bleu cobalt, bleu outremer, vert sapin, vert olive, rouge cadmium clair, cadmium jaune clair et profond, jaune ocre, terre de Sienne crue, terre d'ombre crue et terre de Sienne brûlée. Ses pinceaux sont principalement ronds en sable et mélanges, ainsi qu'un pinceau de peintre en bâtiment et un merlu de 3 ", tous deux qu'il utilise pour la pose dans de grandes surfaces." J'abuse mes pinceaux et j'en retire généralement une peinture ou moins, " L'artiste dit: "J'entre dans le papier, dans les mouvements, et je fais beaucoup de récurage et de gommage." Il n'utilise que rarement du liquide de masquage, préférant plutôt peindre simplement autour des blancs.
Akers commence par s'étendre dans les larges lavages, en développant d'abord les ténèbres les plus sombres, et en prenant soin de préserver les blancs. Il construit ensuite les couleurs et les formes avec plus de couches, en restant constamment conscient de la structure de valeur qu'il avait prévue dans les croquis initiaux. S'il décide que la pièce a besoin de plus de texture et de détails, il incorpore le brossage à sec, en utilisant l'une des deux techniques. Pour améliorer le sens de la texture, comme dans la peau, l'écorce ou l'herbe, il utilise une vieille brosse synthétique pour enfoncer la peinture sur sa palette, puis soulève la brosse avec ses poils évasés dans différentes directions et l'applique sur la planche. «Cette approche conserve un certain sens de la spontanéité parce que je ne peux pas contrôler l'application de la peinture», explique Akers. Dans l'autre approche, l'artiste trempe un pinceau de sable dans la peinture, l'essore avec ses doigts pour faire une pointe nette, puis pose en fines lignes, qu'il contrôle pour les détails les plus serrés. "Quand j'ai créé trop de détails", dit-il, "je passe par-dessus les zones avec un lavage pour les faire se fondre avec les zones environnantes." Il admet que le brossage à sec n'est pas pour tout le monde, principalement parce qu'il nécessite plus de planification et de patience, mais il invite les artistes à l'essayer dans les domaines qu'ils envisagent comme point focal. «Personnellement, je pense que la combinaison de lavages lâches et de détails serrés fait une peinture forte», dit-il.
Lumière de cave 2006, aquarelle, 10¼ x 15¼. Collection privée. |
Quand Akers a commencé à travailler dans l'aquarelle, après avoir terminé ses études collégiales dans les années 1970, il a étudié les peintures et les techniques de nombreux artistes, se sentant particulièrement attiré par Andrew Wyeth, Winslow Homer et Edward Hopper. Tous ces artistes l'ont influencé de manière significative, bien que maintenant Akers se sente moins attiré par d'autres artistes. «Au début, comme beaucoup d'artistes, je regardais tout. Maintenant, je veux faire mon propre truc et je ne poursuis pas le travail d'autres artistes comme avant. »
Suivre son propre parcours a mené au succès et à l'acclamation considérables de l'artiste, avec de nombreux prix et collectionneurs éminents à son actif. Akers attribue sa bonne fortune à sa pratique de fixer des objectifs, en s'appuyant sur chaque réalisation précédente. «À mes débuts», se souvient-il, «je me suis fixé pour objectif de devenir un membre emblématique de l'American Watercolour Society. Un autre objectif était de figurer dans American Artist. Dernièrement, mes objectifs se sont concentrés sur l'obtention d'une représentation à la galerie de New York. »La récente exposition personnelle d'Akers aux Hammer Galleries de New York témoigne de sa réussite à cet égard. «Le fait d'avoir mon travail dans des expositions régionales puis nationales lui a permis d'être exposé aux galeristes et aux magazines, ce qui a conduit à davantage de galeries et d'expositions», note-t-il. "Bien sûr, tout cela apporte plus de délais et plus de stress, car je ne prends aucun des spectacles à la légère, mais ils se sont construits les uns sur les autres."
Souvenirs du Maine 1999, aquarelle, 19 x 29. Collection privée. |
Dans toutes ses réalisations en tant que peintre, Akers est avant tout un dessinateur, l'acte de dessin informant chaque étape de son processus de création. Encourageant d'autres artistes à dessiner autant qu'ils le peuvent, il suggère «dessiner ce que vous savez et ce à quoi vous pouvez vous rapporter», tout comme il l'a fait. C'est un conseil que l'on entend encore et encore - et pourtant il vaut toujours la peine de le répéter.