Nous sommes allés à la recherche d'Anders Zorn dans son pays natal et avons découvert une personnalité assez grande pour englober de nombreuses contradictions - et une capacité naturelle à peindre à la fois à l'huile et à l'aquarelle.
par Bob Bahr
Lorsque le nom d'Anders Zorn est mentionné aux États-Unis, c'est généralement en relation avec John Singer Sargent et Joaquín Sorolla y Bastida, des contemporains qui ont également utilisé des pinceaux remarquables et étaient connus pour leurs portraits pénétrants de personnalités de la haute société. Sa renommée dans notre pays vient souvent de son inclusion dans ce groupe, mais un examen plus attentif de l'artiste suédois révèle une forte personnalité capable d'embrasser ce qui semble être des contradictions dans sa vie et son processus de peinture. Fils illégitime d'un employé de brasserie, il a grandi pour socialiser avec les rois et les reines. Célèbre pour la sensation spontanée de ses peintures et son pinceau lâche, Zorn a minutieusement préparé plusieurs de ses pièces, dessinant et peignant à l'occasion de nombreuses études et utilisant des références photographiques. Pour équiper sa maison de gadgets technologiques quasiment inconnus en Suède à son époque, il a choisi de peindre dans une petite dépendance rustique de près de 700 ans. Il quitte l'Académie royale des beaux-arts de Stockholm, rejetant le traditionalisme de ses professeurs, pour peindre plus tard des portraits de l'establishment suédois. Et bien que Zorn ait beaucoup voyagé en Europe et en Amérique, il est retourné la plupart des étés dans sa ville natale rurale.
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| Mlle Constance
Morris 1915, huile, 58¾ x 39. Collection Zornsamlingarna, Mora, Suède. |
Birgitta Sandström est la directrice du musée des collections Zorn, qui comprend la résidence, le domaine et le musée de l'artiste à Mora, en Suède. Cette autorité sur Anders Zorn se moque de l'énigme de ses contradictions, affirmant qu'un homme avec une extrême confiance les verrait simplement comme une question de préférence personnelle. Zorn était fier de ses racines et de sa stature d'artiste, avec la volonté de faire ce qu'il voulait. "Je ne pense pas qu'il ait eu aucun problème à parler un jour à Moran [le dialecte local] avec un vieil homme de cette région, puis à s'asseoir avec un président le lendemain", explique Sandström. "Il était fabuleux de cette façon. Cela faisait partie de sa personnalité." Le mélange de personnalité et de capacité de Zorn a fait que sa vie d'artiste mérite d'être explorée.
La vie et le développement artistique de Zorn
La mère de Zorn a rencontré son père lorsqu'ils travaillaient ensemble dans une brasserie du nord de la Suède. Ils ne se sont jamais mariés, et parce que sa mère travaillait loin de Mora, Anders a été élevé par ses grands-parents maternels. Enfant, il a appris à sculpter, ce qui était typique de la province de Dalécarlie, au centre de la Suède. "Ce n'était pas spécial qu'il ait sculpté, c'était spécial qu'il ait eu le talent de faire autre chose avec ça", commente Sandström. La capacité de Zorn à sculpter et dessiner a attiré l'attention de ses professeurs et des collègues de son père, et de l'argent a été recueilli pour l'envoyer à Stockholm pour assister à la Royal Academy of Fine Arts. Il y étudie pendant cinq ans, puis se révolte contre les méthodes de plus en plus traditionnelles de l'école, qui privilégient le dessin à partir d'estampes, de moulages et de figures. Son travail a remporté des prix, en particulier ses aquarelles magistrales, mais il s'éloignait de l'école.
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| L'intérieur de
le studio derrière Zorn maison à Mora, construit près de 900 il y a des années. |
À cette époque, il est tombé amoureux d'Emma Lamm, qui venait d'une famille riche. La famille de Lamm n'envisagerait pas un mariage entre les deux à moins que Zorn n'ait une petite fortune. Il quitta donc l'académie de façon dramatique (poussé par des menaces répétées d'expulsion de la part des responsables de l'académie) et partit à l'étranger en 1881 pour gagner de l'argent, fiancé en secret avec Emma. "Il savait déjà ce qu'il voulait faire", explique Sandström. "Que se serait-il passé s'il avait continué à l'académie une autre année? Il n'aurait pas pu faire plus."
L'Angleterre fit signe. À l'école, Zorn s'était passionné pour l'aquarelle et les meilleurs aquarellistes du monde étaient anglais. Il n'y a aucun rapport et aucune preuve que Zorn a appris les points les plus fins de l'aquarelle par un artiste particulier en Angleterre. C'est un modèle répété tout au long de la vie de Zorn: ses compétences artistiques étaient largement autodidactes, à une exception près. Zorn a reconnu l'instruction d'Axel Herman Haig en gravure, bien que ses antécédents en sculpture et en dessin l'aient rendu bien équipé pour exceller dans cette technique. L'artiste était définitivement conscient de ses compétences. «Il s'est comparé à Rembrandt en termes de gravure, ce qui montre ce à quoi il aspirait», explique Merit Laine, conservatrice des estampes et des dessins au Nationalmuseum de Stockholm. "Il s'est fixé un très haut niveau d'excellence." Sandström pousse le point plus loin avec cette citation de l'autobiographie de Zorn: "Il y a toujours eu deux graveurs, Rembrandt et moi-même. En fait, il n'y en a eu qu'un." L'affinité de Zorn pour Rembrandt s'est manifestée de plusieurs façons. Il a compté plusieurs dessins et gravures de Rembrandt dans sa collection personnelle, et il a exécuté de nombreux autoportraits, tout comme le maître hollandais. En 1890, il est allé jusqu'à copier une composition de Rembrandt sur le côté droit d'une plaque de gravure et graver son propre autoportrait sur la gauche. Leurs styles étaient assez différents: celui de Zorn est devenu une méthode qui mettait l'accent sur des hachures lâches et parallèles (ressemblant parfois à des boucles gribouillées) et sur de forts motifs de lumière noire, comme dans Zorn et His Wife. Les gravures de Rembrandt soulignaient les lignes plus fines et la texture obtenue par des moyens plus traditionnels. Les deux ont construit des compositions simples sur de forts motifs de lumière sombre.
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| Notre pain quotidien
1886, aquarelle, 26¾ x 39½. Collection Musée national, Stockholm, Suède. Cette peinture est considéré comme emblématique Suède. Il est peut-être aussi représentant de le National caractère comme Gothique américain, est dans ce pays. |
L'étoile de Zorn se leva rapidement. Une exposition à Cadix, mettant en vedette des œuvres qu'il a peintes au cours des mois précédents en Espagne, a fait la renommée internationale du peintre en 1882. Zorn a déménagé en Angleterre, où des membres de la haute société suédoise ont commandé des portraits. Sa carrière a pris de l'ampleur lorsque de riches Londoniens ont commandé les services de Zorn et que le roi d'Espagne a demandé un portrait. Son succès futur assuré, il épousa Emma en octobre 1885. Le couple voyagea en lune de miel à Constantinople (où Zorn faillit mourir de la fièvre typhoïde), puis se rendit en Italie et en France avant de déménager à St. Ives, à Cornwall, en Angleterre, fin 1887.
À cette époque, Zorn était un aquarelliste très accompli, mais il était prêt à en faire plus. Cet hiver-là, il a appris à peindre à l'huile. Compte tenu de son amour pour le médium de l'aquarelle, son changement de médium peut sembler étrange. Bien au contraire, explique Laine. "Il aurait été très étrange qu'il se soit tenu à l'aquarelle", fait-elle remarquer. "C'était plus prestigieux de peindre à l'huile." Zorn a écrit sur cette transition dans son autobiographie avec beaucoup de nonchalance. "[St. Ives] était charmant et nous avons décidé d'y rester", raconte Zorn. "Nous avons fait la connaissance de cet artiste et avons loué une maison. J'ai commencé à peindre tout de suite et à l'huile. Je pensais avoir quelques mois de libre sans avoir à penser à un revenu." Le gouvernement français a rapidement acheté l'une de ces premières incursions dans le pétrole, les pêcheurs de St. Ives. En sept ans environ, Zorn avait presque complètement changé son orientation de l'aquarelle à l'huile.
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| Carte de nouvel an
1890, eau-forte, 4 x 5½. Zorn aime se comparer à Rembrandt comme ceci eau-forte dans laquelle il peint un autoportrait sur le gauche et copié un Rembrandt composition sur le à droite - graphiquement spectacles. |
En 1888, le couple s'installe en France, où il restera huit ans. Zorn a continué en Espagne, où il a peint avec Sorolla dans une petite ville espagnole. Le trio que beaucoup de peintres admiratifs mentionnent aujourd'hui du même souffle se connaissaient, mais ils n'étaient guère les trois mousquetaires. Zorn connaissait Sargent de ses longues visites en Angleterre, et il aimait se vanter que Sargent le considérait comme le portraitiste supérieur des deux. Mais le regroupement de Zorn avec les deux autres célèbres portraitistes de l'époque est une invention américaine réalisée rétrospectivement. "Sorolla est à peine connue en Suède", affirme Sandström, "et seuls les historiens de l'art connaissent Sargent. En Suède, Zorn suffit."
Il existe cependant des similitudes, en particulier entre Sargent et Zorn. Les deux ont peint des portraits dynamiques et urgents d'Isabella Stewart Gardner. Comme Sargent, Zorn a peint de nombreux portraits mais choisirait ses commandes et n'hésiterait pas à composer le portrait d'une manière non conventionnelle. Par exemple, la perspective de Mlle Constance Morris est déroutante, le point de vue du spectateur semblant passer du niveau des yeux du sujet, à sa taille, à ses pieds. Le portrait Les Demoiselles Schwartz représente deux sœurs regardant autour de leurs chevalets un buste qu'elles dessinent. Dans le livre Les peintres suédois dans le monde, de HH Brummer (Svalan / Bonnier, Stockholm, Suède), Zorn est cité: "Là, ils étaient assis, devant leurs chevalets, portant leurs robes rouges et dessinant une tête que je leur avais donnée comme une mission. J'ai immédiatement tracé quelques lignes sur ma toile pour ne pas perdre ce que j'avais trouvé. Le lendemain matin, les parents des enfants sont venus me rendre visite. La dame m'a demandé si je ne pouvais pas faire le portrait en format paysage à la place, pour qu'il tienne sur son lit. Je lui ai demandé furieusement qui elle pensait que j'étais, et si elle n'était pas au courant qu'il y avait un photographe en bas de la rue qui lui conviendrait mieux qu'un artiste qu'elle le ferait J'ai jeté ma palette dans un coin et je lui ai expliqué que si elle voulait que je peigne, Zorn, elle devait dire oui ou non et quitter immédiatement la pièce pour que je puisse continuer mon travail. Terrifiée, et avec des larmes coulant sur ses joues, elle a dit oui et a quitté la chambre. Ma femme leur a promis plus tard que je ferais s quelque chose de spécial pour eux, et elle avait raison. N'importe quel morceau de merde serait spécial pour les murmures comme de telles personnes et je leur donnerais quelques heures, rien de plus! Curieusement, le tableau a été l'un de mes plus salués à l'exposition universelle de cette année."
Zorn a peint le roi et la reine de Suède et deux présidents américains, ainsi qu'un grand nombre d'industriels puissants de cet âge. L'impact de ces commissions sur la position sociale et la carrière de Zorn est incalculable, mais bien que Zorn semblait être un planificateur de carrière prudent, il n'était pas l'esclave des affaires de l'art. "Il a simplement accepté des commissions", explique Sandström. "Il s'est plaint une fois à Carl Larsson, 'Une autre commission - o, ça me tue!' Mais c'est ainsi qu'il a fait son argent. Il n'a jamais peint Rockefeller, bien qu'il ait été chargé de le faire, parce qu'il voulait passer le milieu de l'été en Suède. Il avait ses limites. Le milieu de l'été suédois était plus important pour lui que Rockefeller."
Processus et matériaux de Zorn
De nombreux artistes mentionnent le concept de «palette Zorn», notamment en ce qui concerne le portrait. Cette palette chaleureuse, qui est souvent considérée comme comprenant simplement un jaune, un noir, un rouge et un blanc - mais pas de bleu - peut être un outil très utile, mais c'est une erreur de l'attribuer à Anders Zorn. Quelques portraits et autres peintures de Zorn semblent montrer une chaleur certaine et un manque de tubes bleus et verts - et Sandström confirme que le peintre était fier de dire qu'il a mélangé toutes les teintes sur une toile à partir d'une poignée de couleurs, mais de nombreuses peintures Zorn utilisent le blues. En fait, en Suède, Zorn est célèbre pour ses représentations de l'eau, qui nécessitaient de la peinture bleue. Sandström avait même du mal à comprendre l'hypothèse selon laquelle Zorn travaillait avec la palette spécialisée qui lui était associée. Elle rapporte que 17 tubes de cobalt seuls sont représentés parmi les 243 tubes de peinture laissés par Zorn dans son atelier de Mora. Laine, du Nationalmuseum de Stockholm, convient que la notion de palette Zorn est un peu impropre. Pourtant, des portraits tels que Mlle Constance Morris montrent qu'il était capable d'utiliser des gris pour suggérer des bleus. Beaucoup de portraits de Zorn - et de ses nus - présentent une chaleur irrésistible, inspirant les peintres d'aujourd'hui, indépendamment de ce que l'artiste suédois a pu mettre sur sa palette.
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| Love Nymph
1885, aquarelle, 46 x 29. Beaucoup de Zorn aquarelles ont été peints rapidement, mais il a passé deux ans peindre ceci pièce, qu'il considéré comme son chef-d'œuvre à le temps. |
Zorn a privilégié les peintures formulées par un fabricant désormais disparu à Berlin. Il a utilisé des pinceaux de toutes tailles et formes, et tous les pinceaux avec des marques de fabricant sont d'origine suédoise. En gravure, il a expérimenté avec divers acides qu'il comprenait que Rembrandt utilisait, mais ses matériaux de gravure étaient essentiellement standard - exécutés sur du cuivre et parfois du zinc. Zorn a créé quelques sculptures notables, y compris une sculpture bien connue à Mora du roi Gustav Vasa, qui a uni la Suède en 1520 contre les Danois occupants. Mais ce premier médium a été écarté par la peinture. "Il envisageait de peindre son travail; la gravure et la sculpture étaient ses passe-temps", explique Sandström. "La nuit, quand il faisait trop sombre pour peindre, il a sculpté. Pendant la journée, il n'a pas eu le temps de continuer à sculpter." Plus qu'avec les autres médias, les gravures de Zorn ont été informées par la photographie. Marin passionné, il emportait des modèles sur son bateau et naviguait dans l'archipel de Stockholm, les peignant sur des îles boisées et les photographiant pour des gravures qu'il découperait l'hiver suivant. Les gravures lui ont également permis de reproduire ses peintures populaires et ainsi générer plus d'argent à partir d'une composition.
Certains détails des premières aquarelles de Zorn trahissent les heures de travail qu'il y a consacrées - l'aquarelle Love Nymph de 1885 lui aurait pris deux ans pour terminer et nécessitait deux versions à l'aquarelle, une esquisse à l'huile et plus de 60 dessins, grisailles et croquis en couleurs - mais Emma Zorn a écrit en 1887 qu'une aquarelle constituait "un travail du matin" pour son mari. La méthode de Zorn était de fixer clairement la composition à l'esprit avant de commencer, puis de la mettre rapidement sur la page. Ses huiles suggèrent la même spontanéité, mais Sandström dit qu'il y a des preuves qu'il accumulait de temps en temps des couches pour obtenir l'effet qu'il souhaitait.
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| Les Demoiselles
Schwartz 1889, huile, 39½ x 26½. Collection le Louvre, Paris, France. |
Faites en sorte que ce soit facile - cela semble être le thème. "Il avait des compétences de dessin incroyables et pouvait peindre un portrait efficace en 44 traits", explique Jeffrey T. Larson, artiste du Wisconsin en riant. "Il voyait si clairement et composait avec une telle confiance - il avait un tel œil. Comme on dit, il pourrait utiliser une phrase pour expliquer ce que les autres auraient besoin d'un demi-livre pour expliquer." Larson apprécie également la légendaire palette limitée de Zorn. "Cela lui a permis de donner à ses tableaux un aspect très unifié", dit-il.
Ses portraits lui ont valu une renommée mondiale, et ses représentations de la vie paysanne suédoise l'ont attiré par ses compatriotes, mais ce sont ses paysages - ponctués de chiffres - qui inspirent de nombreux peintres d'aujourd'hui. Zorn détestait les modèles de peinture dans l'atmosphère artificielle d'un atelier. "Sa capacité à capturer l'ambiance d'un endroit avec une couleur et une valeur si subtiles ne vient que de ses innombrables heures à peindre en plein air", affirme Frank Serrano, un peintre californien de plein air. "Vous ne pouvez pas transmettre dans une peinture cette humeur si vous utilisez une photographie. Il a peint un peu à l'extérieur. C'est ce qui vous aide à devenir aigu et vous aide à apprendre à capturer quelque chose naturellement. Ces sensibilités sont là dans son travail et c'est ce que j'aime vraiment."
