Steve Rogers peut indiquer le moment précis de sa carrière où ses aquarelles sont passées de moyennes à exceptionnelles. Cela s'est produit lorsqu'il a rencontré sa future épouse, trouvé un sujet qui le passionnait pour la peinture et a eu une expérience religieuse.
par M. Stephen Doherty
|
|
| Vernazza Sunset
2000, aquarelle, 28 x 40. Toutes les illustrations de cet article collection privée Sauf indication contraire. |
L'artiste floridien Steve Rogers a atteint les premiers rangs des aquarellistes américains ces dernières années, et il remporte des prix importants, juge des expositions nationales, fait des démonstrations devant un large public et enseigne des ateliers bondés. Mais il y a 15 ans, il ressemblait à de nombreux artistes qui survivent en vendant des peintures acceptables de sujets populaires à l'échelle régionale. «J'ai peint plus de mouettes, de phares et de bateaux que je ne m'en souviens», dit-il avec un petit rire. Cette expérience l'aide maintenant à motiver ses élèves à apporter des améliorations spectaculaires à leurs aquarelles. «J'essaie de les aider à améliorer leurs compétences, mais la chose la plus importante que je pense pouvoir partager avec eux est l'importance de peindre avec passion.»
Rogers a trouvé sa propre passion à la suite de plusieurs changements de vie dans les années 1980 et 1990, dont les plus importants étaient de rencontrer sa femme, Janet, dans un atelier de Robert E. Wood en 1984; effectuer son premier voyage de peinture en Grèce en 1992; et avoir une expérience religieuse au cours de ce premier voyage méditerranéen. «Évidemment, je ne peux pas enseigner aux étudiants comment trouver un conjoint, et je ne veux pas leur imposer mes croyances religieuses, mais je peux les aider à comprendre à quel point il est important de peindre quelque chose qui leur tient vraiment à cœur», dit Rogers. «J'ai jugé un certain nombre d'expositions d'aquarelle, et je vois tellement de peintures bien conçues et bien conçues qui n'offrent rien de plus. Les artistes ne parlent pas aux téléspectateurs de leur cœur. »
Rogers recommande d'accomplir cette tâche importante en réfléchissant à un sujet avant de le peindre. «Mes meilleures idées persistent dans mon esprit pendant des mois et des années avant de les peindre», explique-t-il. «Mais même lorsque je voyage et que je peins, je prends le temps de m'asseoir et de penser à l'emplacement. Ces moments passés à absorber un nouvel endroit pendant que je m'assois tranquillement en buvant une tasse de café et en profitant de toutes les images, les sons et les émotions associés à l'endroit m'aideront à répondre à l'expérience totale. Les peintures s'avèrent tellement meilleures que si je prenais rapidement une photo et que je passais à l'endroit suivant. »
|
|
| Étapes de Plaka
1995, aquarelle, 28 x 40. |
Rogers encourage également ses élèves à peindre des sujets d'importance personnelle, même ceux qui peuvent être sensibles ou personnels. «Quand j'enseigne un atelier, je ne fais pas de prosélytisme, mais je fais savoir aux gens que l'inspiration pour mon travail vient de ma foi en Dieu», explique-t-il. «Je ne peins pas de sujets religieux en soi, mais je crois que« Dieu est lumière ». Je peins à partir de la profonde influence que Jésus a peinte dans mon cœur! Je partage cela avec les étudiants, non pas dans le but de les convertir, mais pour souligner l'importance de trouver sa propre voix d'une manière qui apporte sa passion au processus créatif. La peinture, c'est communiquer au niveau le plus fondamental et le plus personnel. »
Une partie du processus d'offrir cette communication consiste à prendre le contrôle du processus de peinture, et Rogers démontre ses méthodes de peinture à la fois à de grands groupes d'artistes et aux participants de ses ateliers. «Je suis un peintre d'atelier qui travaille principalement à partir de photographies numériques», explique-t-il, «mais je développe des dessins préliminaires d'une manière qui va au-delà du dossier mécanique fourni par la caméra. Je commence généralement par créer un dessin de contour 18 "-x-24" d'un sujet dans lequel les zones d'ombres sont bien développées. Par «contour», j'entends un dessin réalisé sans lever le crayon ou la plume du papier. Je préfère cela parce que je veux que les lignes coulent afin qu'elles ne soient pas des contours raides des formes. Je prends ensuite une photographie diapositive du dessin et la projette sur la surface du papier aquarelle. »
|
|
| Reflets du Grand Canal
1998, aquarelle, 28 x 40. |
Rogers aime être bien préparé avant de commencer à peindre afin de ne pas être interrompu pendant le processus. «Il est important que les peintures coulent ensemble et se mélangent sur le papier, ce qui est difficile à réaliser si je dois m'arrêter pour extraire plus de peinture ou ajuster le dessin», explique-t-il. «Je commence par dessiner sur une feuille de papier pressé à froid de 300 livres. Je le trempe ensuite et j'élimine doucement le graphite en excès avec une éponge naturelle. Après 10 ou 12 minutes, je l'agrafe sur une planche, le laissant sécher pour que le papier «s'étire». Je sèche les bords du papier près des agrafes avec un sèche-cheveux pour empêcher les agrafes de déchirer le papier.
«Parce que je travaille avec des lavis transparents, je dois m'assurer que les zones de la peinture qui ne seront pas peintes sont propres et blanches afin que les formes ressortent vraiment lorsque l'image est terminée», explique Rogers. «Lorsque j'aide les élèves avec cet aspect important de l'aquarelle, je leur conseille généralement de faire une étude de valeur préparatoire afin qu'ils sachent exactement où seront ces formes blanches. Je suggère également qu'ils pensent en termes de trois valeurs fondamentales au sein d'une peinture - sombre, moyenne et claire - la valeur la plus claire étant le blanc du papier. À mesure qu'ils deviennent plus expérimentés, ils peuvent aller au-delà de cette structure simplifiée et travailler sans étude préparatoire.
|
|
| Nouveau quai Smyrna
1991, aquarelle, 21 x 29. |
«Lorsque j'ai terminé le travail préliminaire et que tous mes matériaux de peinture sont organisés, je commence à peindre les formes les plus sombres dans la composition des valeurs», explique Rogers. «Je contredit les conseils que de nombreux autres enseignants donnent à leurs élèves, mais d'après mon expérience, la pose dans les ténèbres donnera aux peintres la confiance nécessaire pour utiliser des couleurs de valeur moyenne plus fortes plutôt que de peindre plusieurs couches provisoires de pigment.
«Je devrais ajouter quelques mots de prudence concernant la peinture de ces premiers traits de couleur sombre», ajoute rapidement Rogers. «Trop souvent, les aquarellistes font l'erreur de supposer que les valeurs sombres doivent être peintes avec une forte application de pigment, mais ce n'est pas toujours vrai. Trop de peinture ou trop de couches de pigment foncé peuvent rendre les couleurs boueuses et pâteuses. L'objectif devrait être d'atteindre la plus grande transparence dans les ténèbres. Comme pour tout autre aspect de la peinture, il s'agit d'une question de valeur relative, et non d'intensité d'application de peinture. De plus, les valeurs sombres ne doivent jamais être habituellement peintes avec le même mélange de couleurs sombres, comme le sépia ou le bleu outremer. Les valeurs sombres peuvent passer du rouge, du bleu et du vert. Dans les passages sombres, je me fie aux pigments très transparents et plus puissants, tels que le bleu de Prusse, le cramoisi d'alizarine permanent, le magenta permanent, la terre de Sienne brûlée, le bleu outremer français, la garance brune, l'auréoline et même la terre de Sienne crue (jamais l'ocre jaune). Je n'utilise jamais de vert ou de noir de tube de coloration.
|
|
| Lumière vénitienne
2003, aquarelle, 29 x 21. |
«Une fois ces ténèbres établies, je crée de la valeur de la même manière qu'un peintre à l'huile: des valeurs moyennes aux hautes lumières», décrit Rogers. «À chaque étape de l'élaboration de la composition, je m'efforce de maintenir l'écoulement de la peinture afin que les pigments soient intégrés et non isolés et qu'il y ait une intégration de couleurs chaudes et froides. Aucune forme n'est complètement froide ou chaude à la température de couleur, et la peinture doit être appliquée de sorte qu'il y ait des nuances froides dans les zones ensoleillées chaudes et, inversement, des couleurs chaudes dans les ombres froides. »
En parlant de maintenir des transitions fluides entre les formes et les couleurs, Rogers souligne qu'il n'utilise qu'un seul pinceau pendant le processus de peinture. «Je peins généralement une peinture entière avec une langue de dragon bon marché n ° 18 ou un pinceau Escoda. Si je devais arrêter d'utiliser ce gros pinceau et descendre à un plus petit, les coups de peinture suivants deviendraient probablement plus serrés et moins flui
Le pinceau de Rogers n'est pas le seul outil important dans son processus créatif. Il est très précis sur le type de palette qu'il utilise, la sélection des couleurs des tubes et les vêtements qu'il porte en travaillant. "J'utilise tous les pigments de qualité artiste Winsor & Newton à l'exception de trois couleurs Holbein (magenta permanent, garance brune et vert cobalt) et le bleu de manganèse American Journey", révèle l'artiste. «Dans les zones de valeur faible et moyenne, je préfère des pigments granulants comme les couleurs de la terre, le cadmium, le bleu céruléen et le bleu de manganèse. J'essaie d'être intuitif dans la sélection exacte des pigments pour chaque zone d'une peinture. C'est une des raisons pour lesquelles je mets toujours les pigments dans les mêmes puits de la palette de peinture. Je veux juste atteindre une couleur de la même manière que je frapperais une touche sur mon clavier d'ordinateur, avec mon esprit concentré sur la peinture, pas sur la palette.
|
|
| Réflexions du matin - Bateaux du marché
2006, aquarelle, 28 x 40. Collection de l'artiste. |
«Les étudiants n'ont généralement pas assez d'expérience pour choisir automatiquement la bonne couleur, je les encourage donc à séparer les pigments destinés aux valeurs claires et moyennes de ceux qu'ils utiliseront dans les ténèbres», poursuit Rogers. «Contrairement à ma femme, Janet, j'ai tendance à utiliser davantage les couleurs opaques et granulantes que les couleurs synthétiques, telles que les quinacridones et les phtalocyanines, en particulier dans les zones de valeur claire et moyenne de la peinture. Je trouve plus facile de réaliser des ajustements subtils des valeurs avec la palette que je connais et je peux manipuler les combinaisons de couleurs pendant une plus longue période. J'essaie d'appliquer la couleur parfaite dans chaque situation mais, en réalité, cela arrive rarement, et je dois faire des ajustements. Je suis plus à l'aise de le faire avec ma sélection standard de couleurs de tube et le même papier étiré. Par exemple, je trouve que la granulation des pigments est particulièrement efficace pour capturer le sens de la lumière.
«Je tiens ma petite palette légère de Cheap Joe dans ma main de la même manière qu'un peintre à l'huile. Cela facilite mon approche de la peinture directe. J'ai ajouté plusieurs casseroles en céramique qui appartenaient à mon artiste-père en tant que suppléments aux 17 puits profonds. J'utilise une palette de métal pliable Holbein lors de la peinture sur place, les deux m'aident à peindre de manière plus directe et immédiate. La palette garde également la peinture humide pendant une période prolongée si je presse beaucoup de peinture fraîche et la tapote ou la remue jusqu'à ce qu'elle repose à plat dans les compartiments. Les élèves font souvent l'erreur de disposer de quantités insuffisantes de pigment, ce qui rend difficile l'obtention de couleurs et de valeurs fortes.
|
|
| Réflexions du matin - Venise
2004, aquarelle, 40 x 28. Collection de l'artiste. |
«Je peins avec de vieux vêtements de couleur neutre», explique Rogers en discutant de l'aspect le plus inattendu de son processus de peinture. «J'ai essayé de m'habiller lorsque je fais des démonstrations pour de grands groupes, mais je suis devenu si gêné que je ne pouvais pas bien peindre. La chose la plus importante est de créer la meilleure peinture possible, même si cela signifie ressembler à un slob. Je porte un bandana quand je peins, et si je peins une peinture chaude, c'est un bandana rouge. Si ma peinture est destinée à être cool, le bandana est bleu. Cela n'établit pas une aura spéciale qui pénètre ma psyché, mais cela me rappelle mon objectif.
«Je me tiens toujours debout lorsque je peins, que ce soit en studio ou sur place», ajoute Rogers. «Je positionne la planche sur laquelle le papier est attaché à un angle peu profond parce que la peinture à l'aquarelle doit couler sous l'effet de la gravité. À la maison, je peins à une grande table à dessin située dans mon atelier bien éclairé. Ma photo numérique est visible sur un écran d'ordinateur, et j'ai quelques tirages 8 "-x-10" disponibles pour référence ultérieure. Lorsque je travaille à l'extérieur, je me tiens à un chevalet français jullien.
|
|
| Venise Paix
2004, aquarelle, 40 x 28. |
